Figuration genom bildmaterial i illustration och grafisk design

När du står framför en kraftfull illustration eller en målning som gör dig mållös, är det sällan bara på grund av hur väl den är tecknad. I de flesta fall kommer effekten från hur konstnären har hanterat den. figuration, bildmaterial och komposition att rikta din blick, sätta tonen och ge mening åt scenen.

Att förstå hur det fungerar figuration genom bildmaterial Och hur det relaterar till abstraktion, ikonicitet och kompositionens principer är avgörande om du vill förbättra dig inom illustration och grafisk design; om du ska börja måla, Upptäck olika sätt att väcka dina skapelser till liv.

Vad är figuration genom bildlig materia?

Inom konstens tekniker hänvisar figuration genom bildlig materia till hur man använder själva materialet i målningen eller det grafiska mediet (penseldrag, texturer, fläckar, kanter, lager, gester, etc.) för att konstruera eller föreslå igenkännbara former. Det handlar inte bara om att "måla ett objekt", utan om att bestämma hur mycket figurativ information du ger och hur mycket du lämnar åt abstraktion och betraktarens tolkning.

I praktiken innebär det att man kan blanda olika saker i samma pjäs. mycket beskrivande och realistiska områden med nästan abstrakta områden där det bildliga materialet regerar: färgfläckar, gestuella linjer, förenklade plan eller uttrycksfullt behandlade ytor. Denna spänning mellan det som är tydligt igenkännbart och det som antyds genererar stor visuell rikedom och öppnar budskapet för olika tolkningar.

Det är viktigt att komma ihåg att den slutgiltiga betydelsen inte enbart kontrolleras av konstnären: det är betraktaren som i slutändan bestämmer den. bygga budskapet baserat på deras erfarenheterEn mycket figurativ bild kan vara konceptuellt tvetydig, och en mycket abstrakt komposition kan kommunicera ganska träffsäkert om den är väl planerad.

Således, när vi talar om figuration genom bildlig materia, rör vi oss på en axel där formen kan sträcka sig från trogen och hyperrealistisk representation fram till nästan total abstraktiongenom flera mellanliggande grader (stilisering, geometrisering, syntes, etc.). Tricket är att välja exakt den punkt på den axeln som bäst tjänar det du vill förmedla.

Figuration, abstraktion och budskapsintention

För att arbeta med sunt omdöme är det bra att anta – om än bara som en förenkling – att Figurativt språk tenderar mot mer konkreta budskap och Abstraktion tenderar mot mer öppna eller tvetydiga budskapDet är inte en universell lag, men den hjälper dig att bestämma vilken typ av former du ska använda baserat på den grad av tydlighet eller förslag du letar efter.

I en mycket noggrann representation (till exempel hyperrealistisk fotografi eller målning) som stöds av en tydlig text eller språkligt sammanhangBudskapet tvingas mot maximal konkretisering: det du ser är mer eller mindre det som finns där. När man däremot minskar graden av ikonicitet – genom att förenkla former, leka med bildmaterialet eller eliminera text – öppnas meningen upp och betraktaren får utrymme för tolkning.

Vi kan höja några typiska kombinationer mellan figuration, abstraktion och skriftspråk som fungerar som en mental karta vid design:

• Exakt figuration + specifik textDirekta, noggrant kontrollerade budskap. Perfekt för affischer, infografik och redaktionella artiklar där du vill undvika tvetydigheter.
• Stiliserad figuration + konkret textTexten avslutar betydelsen, men bilden lämnar ett litet tolkningsutrymme tack vare bildmaterialet och den formella deformationen.
• Stiliserad figuration + abstrakt text eller ingen text: a börjar dyka upp attraktiv tvetydighet, där formerna hänvisar till igenkännbara objekt men inte fixerar dem helt.
• Minimal eller nästan falsk figurationReferenserna till den verkliga världen är så svaga eller förvrängda att betraktaren projicerar mycket av sig själv på läsningen.
• Ingen figurativ + konkret textBilden är abstrakt, men texten förankrar den. Användbar i konceptuell grafisk design, affischer eller varumärkesbyggande med högt symboliskt innehåll.
• Ingen figuration utan textdu träder in i riket av ren abstraktiondär bildmaterialet, färgen och kompositionen är allt.

Det intressanta är att förstå att du inte är tvungen att stanna på ett ställe: du kan kombinera områden mycket tydliga figurativa element med helt abstrakta områden, eller leka med bokstavlig text och text som används nästan som en grafisk textur, beroende på projektet.

Ikoniskhet: från hyperrealism till ren abstraktion

För att ordna dessa grader av figuration och abstraktion, den s.k. skalor av ikonicitetDessa klassificeringar kategoriserar bilder efter deras likhet med den verklighet de representerar. Ju högre ikonicitet, desto tydligare är förhållandet till referenten; ju lägre ikonicitet, desto mer abstrakt är tecknet.

Författare som Abraham Moles och Justo Villafañe föreslog mycket detaljerade skalor, med 11 eller 12 nivåer, allt från en naturalistisk bild till nonfigurativ representation. Detta är särskilt användbart inom grafisk design, där exakta beslut är avgörande. hur mycket likhet vill du behålla med det representerade objektet.

I ena änden har vi hyperrealismvilket till och med överträffar den naturliga uppfattningen (överdrivna detaljer, texturer pressade till gränsen). Sedan skulle man komma realistisk representation, traditionell målning trogen motivet, och lite i taget skulle man sänka ikoniciteten genom stilisering, geometrisering och syntes.

På de lägsta nivåerna visas piktogram, motiverade scheman (såsom kartor eller diagram), och slutligen helt nonfigurativ representationdär det inte längre finns ett tydligt spår av det ursprungliga objektet och det som råder är former, rytmer, färg och textur.

Serien av Picassos tjur Det är ett klassiskt sätt att förstå det: det börjar med en volymetrisk, muskulös tjur och, litografi för litografi, skalar bort detaljer tills det når ett ideogram som nästan består av en enda linje. Varje steg reducerar det figurativa materialet och ökar det abstrakta elementet, men man känner fortfarande igen "tjuren" under en stor del av processen tack vare manipulationen av formen.

Abstraktion: grader och roll inom illustration och design

Abstraktion, i vid bemärkelse, består av separera det väsentliga från tillbehöretInom konst och illustration översätts det till att representera idéer, känslor eller koncept utan en bokstavlig beskrivning av den synliga världen. Inom design låter abstraktion dig destillera ett komplext objekt till en enkel och kraftfull ikon.

Vi kan prata om olika nivåer av abstraktion beroende på hur långt man avlägsnar sig från konkret materia och igenkännbar form. Från en mer formell abstraktion, som fortfarande behåller objektets fysiska egenskaper, till en radikalt konceptuell abstraktion, nära det metafysiska eller filosofiska.

Inom tillämpad illustration och grafisk design arbetar man sällan med "ren" abstraktion, eftersom huvudmålet är kommunicera tydligtAtt introducera kontrollerade doser av abstraktion – genom bildmaterialet, formell syntes eller den uttrycksfulla användningen av färg – hjälper dig dock att ge dina bilder lager av mening och en mycket rikare atmosfär.

Visuellt förlitar sig abstraktion ofta på förenklade geometriska formerExtrem reduktion av detaljer, avsiktlig störning av proportioner, användning av platta eller starkt symboliska färger och texturer som blir huvudfokus. Allt detta, i kombination med figurativa element, kan generera illustrationer och designverk med en mycket kraftfull identitet.

Figuration i illustration: berättelse, stil och mål

Illustration är per definition ett visuellt språk inriktat på berätta något specifiktEn berättelse, en idé, ett koncept, en information. Till skillnad från renodlat kontemplativ konst har illustration en tydlig kommunikativ funktion, även om detta inte utesluter att man kan leka med tvetydighet och det poetiska om uppdraget tillåter det.

Idag finns illustrationer överallt: böcker, tidningar, serier, reklam, förpackningar, videospel, digitala gränssnitt, sociala medier… I de flesta av dessa sammanhang arbetar du i en tvådimensionell miljö där du måste bestämma hur mycket realism du vill ha, vilken typ av bildmaterial du ska använda (traditionellt, digitalt, blandteknik) och vilken grad av ikonicitet som är mest lämplig för den publik du riktar dig till.

Ett viktigt inslag i illustrationen är visuell berättelseMan behöver inte alltid ord för att läsaren ska förstå vad som händer. Man kan förlita sig på komposition, färganvändning, karaktärernas kroppsspråk, förhållandet mellan positivt och negativt rum, eller kontrasten mellan figurativa och abstrakta områden för att vägleda läsningen.

Varje illustratör bygger så småningom en egen stilDetta är inget annat än ett personligt sätt att bestämma: vad man ska förenkla, vad man ska överdriva, vad man ska utelämna, vilket bildmaterial man ska välja och vilket förhållande man ska etablera mellan figuration och abstraktion. Denna stil blir ditt kännetecken och är det som gör ditt verk igenkännbart bland så mycket visuellt innehåll.

De fem viktigaste tekniska pelarna inom illustration

För att kunna arbeta fritt med figuration och abstraktion behöver man en solid grund inom flera tekniska områden. Utöver inspiration bygger illustration på en serie grundpelare som bör bemästras Om du vill ha verklig kontroll över dina bilder och veta grundläggande material för att komma igång.

Ritning, färg, komposition, tekniker och personlig stil De är sammanflätade och alla påverkar hur du hanterar bildmaterialet. De bryts kortfattat ner nedan, med fokus på hur de relaterar till figuration.

Ritning och konstruktion av formuläret

Ritning är fortfarande det grundläggande verktyget: utan en miniminivå av ritfärdigheter är det mycket svårt att uppnå en övertygande figurationHur uttrycksfullt ditt penseldrag än må vara, omfattar teckning proportioner, anatomi, perspektiv, volym och förmågan att syntesera.

Att lära sig observera och sedan översätta det man ser till enkla former – block, cylindrar, sfärer, plan – är det som gör att man senare kan att förvränga, stilisera eller abstrahera meningsfulltFörfattare som Cézanne arbetade redan på detta sätt och tolkade objekt genom enkla solider för att bygga solida och trovärdiga figurer.

Färg- och kromatisk teori tillämpad på figuration

Färg är inte bara till för att "dekorera" en figur: det är ett kraftfullt verktyg för skapa volym, djup, känslomässig atmosfär och visuell hierarkiPå en figurativ nivå hjälper det dig att separera plan, markera fokus och vägleda betraktarens blick.

Att förstå färgcirkeln, färgharmonier och färgpsykologi låter dig avgöra när du behöver en Naturalistisk färg och när du har råd med friheter mer abstrakt. Ett grönt ansikte eller en orange himmel kan fortfarande vara figurativa om strukturen är välkonstruerad, men de tillför ett konceptuellt och emotionellt lager som går utöver ren representation.

Visuell komposition och bildrum

Komposition är den avsiktliga planeringen av hur Du fördelar elementen inom bildrummetDet är inte något som lämnas åt slumpen: det påverkar direkt hur betraktaren navigerar i bilden, vad de ser först, vad de ignorerar och vad de tolkar som viktigt.

Välj ett format (vertikalt, horisontellt, kvadratiskt, panorama) Detta är redan ett första kompositionsbeslut. Rektangeln är vanligtvis flexibel och lätt att balansera, medan ett kvadratiskt eller cirkulärt format kan generera olika spänningar och tvinga dig att lösa balansen på ett annat sätt.

Inom ramen är utrymmet uppdelat mellan positivt utrymme (formulären som "fylls i") och negativt utrymme (tomrummen som omger dem). Att leka med detta förhållande är nyckeln till både tydlig figuration och intressant abstraktion. En igenkännbar silhuett kan bli mycket kraftfullare om man skär ut den mot en ren, väldesignad bakgrund.

Tekniker, material och bildmaterial

Begreppet bildlig materia blir väldigt bokstavligt när man arbetar med akvarell, olja, akryl, bläck, gouache eller pennoroch även tekniker som rökningPenseldragets tjocklek, glasyrens genomskinlighet och papperets eller dukens struktur påverkar direkt hur vi uppfattar figuren och hur mycket detaljer vi vill antyda.

I den digitala världen (Photoshop, Illustrator, Procreate, etc.) finns det också måleriskt material: penslar som imiterar olja eller akvarell, skannade texturer, kornighet, överlägg… Att avgöra om en figur ska lösas upp med rena kanter och enfärgad eller med trasiga kanter, fläckar och stänk säger mycket om graden av figuration du vill hantera.

Stil och visuell identitet

Din stil är syntesen av alla dessa beslut: hur mycket du förenklar, vilken typ av linjer du använder, vilken palett du upprepar, vilka texturer du gillar, Hur hanterar du händer, ansikten, bakgrunder, veck?etc. Det är i huvudsak ditt vanliga sätt att placera figuration och abstraktion i varje bild.

Att hitta den stilen tar tid, försök och misstag, analysera influenser och mycket ritning. Men när den väl är etablerad blir den den filtro som du tillämpar mer eller mindre omedvetet på alla uppdrag: du vet inom vilka områden du är mer verklighetstrogen och inom vilka du låter det bildliga ta överhanden.

Grundläggande element i komposition till figurationens tjänst

För att figuration ska fungera inom bildrummet måste du arrangera dina element enligt vissa regler. Det här är inte strikta formler, utan snarare... principer som är värda att bemästra innan de avsiktligt bryter sönder dem.

Bland de grundläggande elementen finns linje, form och värde (chiaroscuro)Textur och rymd. Dessa kombineras med designprinciper som balans, proportioner, rytm, rörelse, betoning, harmoni, enhet och variation.

Till exempel kan linjen fungera som en figurativ kontur eller som abstrakt gestuellt streck som riktar blicken. Formerna kan vara geometriska (kallare och mer ordnade) eller organiska (närmare naturen), och beroende på det kommer din figuration att verka mer rationell eller mer känslomässig.

Värde (intervallet från ljust till mörkt) är avgörande för att "modellera" figuren och få den att se tredimensionell ut på en plan yta. Noggrann hantering av kontrast kan generera mycket tydliga fokuspunkter, även om detaljerna i bildmaterialet är ganska fria.

Designprinciper: balans, rytm, betoning och enhet

Designprinciper är de regler som styr hur element förhåller sig till varandra inom en komposition. Du kan tänka på dem som "fysiska lagar" av det visuella universum där din figuration finns.

El balans Det har att göra med fördelningen av visuell vikt. Varje objekt, färgfläck eller färgblock har vikt. Du kan skapa en symmetrisk (mer statisk, stabil) eller asymmetrisk (mer dynamisk) balans genom att leka med storlek, färg, mättnad, position eller textur.

El movimiento och Ritmo De relaterar till hur betraktarens öga rör sig över illustrationen. Upprepningar av former, sekvenser av ljus och skugga, diagonaler, kurvor och överlappningar bidrar till att generera läsflöden. En bra figur är inte bara igenkännbar, den är också placerad på ett sådant sätt att inbjuder dig att utforska bilden.

El betoning Det låter dig tydligt definiera en eller flera fokuspunkter. Vi kan skapa dem genom kontrast i värde, färg, storlek, isolering (ett enda element i ett tydligt område), konvergens av linjer som pekar mot den punkten, eller genom det ovanliga (något som bryter ett etablerat mönster).

Slutligen, harmoni, enhet och variation De reglerar hur mycket du upprepar och hur mycket du ändrar element inom samma bild. För mycket harmoni utan variation är tråkigt; för mycket variation utan enhet skapar kaos. Figurativa element kan fungera som ett enande element – ​​till exempel genom att upprepa en typ av ansikte eller silhuett – medan variationer i färg, textur eller komposition ger livfullhet.

Användbara regler: tredjedelsregeln, diagonaler, gyllene triangel och förenkling

Utöver de allmänna principerna finns det ett antal kompositionella element. praktiska resurser används ofta av konstnärer, illustratörer, fotografer och designers för att organisera utrymme effektivt och trevligt.

La regel om tredjedelar Den här tekniken innebär att man delar upp bilden i ett 3 x 3-rutnät och placerar motivets viktiga områden nära linjerna eller i skärningspunkterna. Detta skapar en balanserad spänning: motivet är varken helt centrerat eller förlorat i en kant.

Andra resurser, såsom oddsregelnDe menar att grupper om tre, fem eller sju element är visuellt mer intressanta än par eftersom de skapar asymmetri och, med den, rörelse. Detta kan tillämpas på karaktärer, upprepade objekt eller färgfläckar.

Samtalet rymdens regel Detta syftar på att lämna utrymme i den riktning en karaktär rör sig eller tittar i. Detta negativa utrymme antyder rörelse, tanke eller förväntan. Här kan bildmaterialet vara minimalt (en nästan platt bakgrund) utan att bilden förlorar sin effekt.

El gyllene triangeln Och andra geometriska konstruktioner (som den gyllene spiralen) tjänar till att organisera inre diagonaler som styr ögat och placerar figurerna i områden med hög visuell spänning. De är inte obligatoriska, men när du använder dem skickligt får dina bilder djup och dynamik.

Slutligen, förenkling Det är en viktig teknik: att eliminera onödiga detaljer, rensa bakgrunder, minska visuellt brus och reservera maximal information för nyckelpunkter. I förhållandet mellan figuration och måleri innebär detta att bestämma vilka delar av målningen som ska vara mycket detaljerade och vilka som kan lämnas suggestiva, nästan abstrakta.

Ikonicitet och grafisk design: när figuration kommunicerar

Inom grafisk design är ikonicitet inte en teoretisk nyck: det är verktyget med vilket man definierar graden av klarhet och universalitet av dina visuella budskap. En affisch för ett sjukhus, till exempel, kan inte vara kryptisk: du behöver piktogram och mycket ikoniska figurer som vem som helst kan förstå vid en blick.

Badrumsikoner, trafikskyltar och åtgärdssymboler i gränssnitt (förstoringsglas för sökning, hus för "hem", papperskorg för borttagning) är exempel på extremt syntetiserad figuration som verkar på mellanliggande nivåer av ikonicitet: de är inte realistiska, men de behåller precis tillräckligt för att vara omedelbara.

Abstraktion kommer in i bilden när du är intresserad av att bygga en eget visuellt språkTill exempel inom varumärkesbyggande: logotyper reducerade till geometriska former, symbolsystem, grafiska resurser som, när de upprepas, blir ikoniska. Men även där, om målet är att det ska förstås, måste man vara försiktig så att man inte avviker för långt från den referens eller det koncept man vill associera med det varumärket.

Till skillnad från bildkonstnären tillåter den grafiska formgivaren vanligtvis inte total abstraktion i kommersiella projekt, eftersom deras uppdrag inte så mycket är att provocera fram öppna reflektioner som att förmedla ett specifikt budskap till en specifik publikDet hindrar mig inte från att engagera mig i personliga projekt eller ta abstrakta resurser till högre nivåer av ikonicitet för att integrera dem som funktionell design.

Inom både illustration och grafisk design är representationen av bildmaterial en ett ständigt beslutsspelHur mycket att visa, hur mycket att antyda, hur mycket verklighet att behålla och hur mycket att låta upplösas i färg, textur och gest. När du förstår hur ikonicitet, abstraktion och kompositionens principer artikuleras börjar du att verkligen kontrollera vad dina bilder säger och hur de säger det, istället för att lämna det åt slumpen.